Top Gun, Un Bijou Des Années 80

Les années 1980 ont vu Hollywood aller à la guerre. La défaite de l’Amérique au Vietnam a instigué un sentiment de désespoir qui s’est maintenu tout au long des années 1970. Les films de la fin des années 70 portant sur le Vietnam (The Boys in Company C, Le Retour, Voyage au Bout de l’Enfer, Apocalypse Now) portaient sur le deuil et des premières étapes provisoires nécessaires pour que le pays puisse passer à autre chose. Ensuite, avec l’élection d’une ancienne star d’Hollywood en tant que président, Hollywood a décidé de se renseigner auprès des militaires et de faire des films équivalents aux politiques d’intervention militaire de Reagan. La méfiance envers le gouvernement et les militaires au cours des années 70 donnait maintenant lieu à une réflexion cinématographique de la puissance américaine. Tout ce qui était nécessaire pour remonter le moral était quelques victoires faciles, et après cela, la catastrophe vietnamienne semblerait n’être un mauvais rêve.

De l’adoucissement de l’entraînement de base dans des films comme La Bidasse, Les Bleus et Officier et Gentleman pour rejouer le Vietnam dans des drames d’action comme Disparu au Combat et Retour Vers l’Enfer, Hollywood a vu qu’il était préférable pour l’économie américaine que l’Amérique sorte du côté gagnant. (Le premier film de Rambo, First Blood, sera l’un des rares films de cette période à titiller la rage et la marginalisation des vétérans du Vietnam. Sa suite, Rambo : First Blood Part II, transformera cette rage en fureur de bande dessinée, et fera se poser au public la question haletante : « Allons-nous gagner cette fois ? ») Le Vietnam a jeté une ombre sur les films qui n’étaient même pas explicitement liés à la guerre. Le Vietnam est devenu un raccourci de développement de personnage. Le personnage de Sylvester Stallone dans Nighthawks était pacifiste en raison de son expérience au Vietnam, alors que le pilote de Roy Scheider dans Tonnerre de Feu souffrait de «stress» en raison de son temps de service. Des films aussi variés que Le Droit de Tuer à Commando au premier l’Arme Fatale ont tous utilisé le Vietnam pour augmenter l’identification du public au personnage principal. Tout cet empilement de bonne volonté cinématographique a pris fin en 1986 avec la sortie d’un film qui a transformé la réécriture du Vietnam en guerre gagnante en une publicité pour la croyance hors-pair de l’Amérique en son propre exceptionnalisme.

Top Gun, Un Bijou Des Années 80

Top Gun de Tony Scott est un assaut visuel et auditif, une «course» à pleine puissance qui ne s’arrête pas pour des choses ennuyeuses comme une histoire. L’histoire raconte que la phrase donnant le ton pour Miami Vice était « les flics de MTV ». Celle de Top Gun aurait facilement pu être « les pilotes de MTV ». Scott, avec son frère aîné Ridley, Adrian Lyne et Alan Parker, était à l’avant-garde d’un groupe de réalisateurs de publicité de la télévision britannique. Ces réalisateurs ont fait des publicités cinématographiques. Quand ils ont eu l’occasion de pouvoir faire des films, ils ont infusé leurs films avec un sens visuel puissant. Ridley Scott a fait en sorte que la rouille, la saleté et la crasse semblent authentiques et cool dans des films comme Les Duellistes et Alien. Parker donné à tout une beauté artificielle, même à une prison turque dans Midnight Express. L’utilisation par Lyne d’un rétro-éclairage à travers Flashdance deviendra un élément essentiel de MTV. Mais Tony Scott était le mauvais garçon du groupe. Il pouvait faire tout ce qu’eux pouvaient faire, mais il n’avait aucune prétention à l’égard des sujets ou des réponses critiques. Pauline Kael a décrit Top Gun comme « une affiche de recrutement qui ne se préoccupe pas du recrutement mais d’être une affiche ». Il s’est avéré que c’est exactement ce que le public aimait à propos de ce film. La publicité était désormais une forme légitime de récit.

L’histoire de Top Gun est si simple qu’elle est presque enfantine. Les producteurs Don Simpson et Jerry Bruckheimer ont aidé à façonner les grands films américains en se spécialisant dans des films que n’importe qui pourrait suivre. Des films comme Flashdance, Top Gun, Le Flic de Beverly Hills et Jours de Tonnerre ont donné aux spectateurs une telle montée de cocaïne-adrénaline que vous êtes sorti du cinéma prêt à vous battre contre le monde entier. Ils ont fait des films sur la victoire, et dans les années 1980 c’est ce que le public voulait voir. Le script (ou plutôt le scénario) de Jack Epps, Jr. et Jim Cash est peut-être centré sur le pilote de la Marine, Maverick (Tom Cruise) et sa formation à l’école Top Gun, mais, en réalité, le film portait sur vous et votre rêve d’être le meilleur à quoi que ce soit que vous fassiez. Les films de Simpson et Bruckheimer ont été une sorte de croisement entre un concert de rock et un séminaire de motivation.

Le blocage du film dans la psychologie pop n’a pas diminué sa valeur de divertissement (qui n’aime pas une poussée d’adrénaline ?) La séquence de générique d’ouverture reste l’une des meilleures de la décennie. Du thème iconique de guitare synthé d’Harold Faltemeyer à la cinématographie filtrée et vivante de Jeffrey Kimble, aux plans en slow-motion érotisés de chasseurs se préparent à un vol à l’aube, la séquence vous séduira tellement qu’elle vous donnera envie d’aller à la guerre. Même «Danger Zone» de Kenny Loggins utilise l’accélération de vos sens et permet de ne pas remettre en question la manipulation pure de ce que vous voyez. (« Relancez votre moteur / Écoutez ses hurlements et rugissements » …) Il n’y a pas vraiment de scènes dans Top Gun, juste des plans. Il n’y a pas vraiment de personnage non plus. Toute nuance ou ombre dans les personnages est due à la personnalité des acteurs, pas à l’écriture. Les noms des personnages font la quasi-totalité du travail de caractérisation. Quand un personnage nommé Viper est décrit comme le meilleur pilote de combat au monde (et qu’il est joué par le robuste Tom Skerritt), plus de la moitié du travail est faite.

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Le film nous donne une version de bande dessinée de la masculinité. La vulnérabilité est réduite au strict minimum. Cela conduit à une bonne dose d’homoérotisme (involontaire ?). Les confrontations verbales entre Maverick et son rival principal Iceman (Val Kilmer) sont un peu merveilleuses dans la manière dont les acteurs jouent les scènes le plus parfaitement hétérosexuellement. (Ils sont comme les scènes entre Charlton Heston et Stephen Boyd dans Ben-Hur, sauf que les acteurs de Top Gun ne connaissent pas leur secret.) Les scènes des vestiaires ont un niveau pro d’agression facétieuse, alors que la célèbre séquence de volleyball est destinée à intéresser les filles dans l’auditoire, mais il est clair que Scott savait que cela allait aussi attirer les hommes. (L’utilisation de la chanson intitulée «Jouer avec les garçons» de Loggins en dit long.)

La photographie aérienne est encore une des meilleures de sa décennie, sinon de l’histoire du cinéma. Les cinq principales séquences de vol permettent de distinguer Top Gun en tant que film d’action de haut niveau. La plupart des films de pilote de chasse dépendaient fortement de séquences «réalistes», mais ils ont rarement fait l’effort d’informer le spectateur de ce qui se passait exactement. L’insistance de Scott sur la pré-planification des manœuvres et la chorégraphie des séquences de vol lui permettait d’afficher un sens de l’échelle qui rappelle la séquence d’attaque contre l’Etoile de la Mort dans Star Wars. (Lucas utilise les images de synthèse de la même façon dont Scott utilise des effets pratiques et modèles.) Nous nous sentons sincèrement comme si nous étions dans le cockpit de ces avions de chasse. Il y a une sensation palpable d’exaltation pendant le décollage ou quand un des jets doit faire une vrille afin d’éviter d’être abattu. Il y a aussi une véritable terreur, surtout lorsque le jet de Maverick se met à vriller à plat, et que lui et son copilote Goose (Anthony Edwards) sont forcés de s’éjecter.

Lorsque Top Gun est dans l’air, c’est un spectacle formidable. Ce sont les scènes sur terre qui sont plus problématiques. Contrairement aux séquences non musicales de Purple Rain, où les interactions des personnages ont été maintenues directes et intenses, les scènes entre les séquences de vol provoquent une stimulation de type ouvrier qui expose à quel point l’histoire est mince. La meilleure performance est celle d’Edwards, qui utilise l’humour et la sincérité pour nous amener à l’aimer. Sa mort dans le film fait véritablement mal. Kelly McGillis est la plus grande faiblesse du film. ELLE ne montre absolument rien de la confiance qui l’a rendue si mémorable dans Witness, son film précédent. Elle n’a aucune chimie avec Cruise, ou plus précisément, elle en a juste assez pour passer. Par rapport à la connexion érotique de Cruise avec Rebecca DeMornay dans Risky Business ou l’émotion passionnée de McGillis pour Harrison Ford dans Witness, leurs scènes ensemble sont plutôt sages. La seule scène entre eux qui fonctionne est quand ils sont assis sur son porche et en écoutant « Sittin’ on the Dock of the Bay. » d’Otis Redding. Le film nous dit constamment qu’ils sont amoureux. (Le magnifique thème de Berlin « Take My Breath Away » fait une grande partie du travail pour nous convaincre qu’ils sont un couple.)
La chimie de la croisière avec McGillis n’a de toute façon pas vraiment d’importance. Ce qui importe, c’est sa chimie chez le public. L’image totalement américaine de Cruise est si essentielle à la réussite de Top Gun que les spectateurs et les critiques ne comprenaient pas complètement qu’il faut un talent d’acteur rare pour faire croire que ce qu’il fait ne demande aucun effort. Dans Risky Business, il a utilisé son visage de bébé pour nous faire être de son côté, même s’il jouait un proxénète junior. De son visage léger à sa voix de petit garçon, Cruise, à première vue, ne semble pas avoir ce qu’il faut pour être l’une des plus grandes stars du cinéma au monde. Mais l’éthique de travail légendaire de Cruise donne à ses personnages une espèce de suffisance et nous ne pouvons pas nous empêcher d’être de son côté, que ce soit dans La Couleur de l’Argent ou dans Des Hommes d’Honneur ou bien dans Magnolia ou même dans Mission Impossible: protocole fantôme. Dans Top Gun, Tom Cruise est devenu une vedette en personnifiant les croyances l’Amérique à surmonter l’adversité afin de sortir en tête.

Top Gun est-il un bon film ? C’est une question délicate. C’est certainement un film regardable qui a réussi à rester plus longtemps que d’autres, des films plus respectables ont disparu des mémoires. Cependant, de tous les films étudiés dans cette série d’articles, c’est celui qui a le moins de résonance aujourd’hui, même si il reste un film ayant marqué les esprits et qu’il existe encore aujourd’hui de nombreux produits dérivés, et ce même dans des domaines apparemment sans lien comme les machines à sous, que vous pouvez retrouver sur : Machines à Sous En Ligne – 1 000 Meilleurs Jeux Gratuits. La sortie de Platoon de Stone à la fin de l’année 86 a effectivement effacé l’histoire d’amour non-ironique d’Hollywood et la guerre. (La sortie de Robocop, l’été suivant, inaugurerait la romance de longue date d’Hollywood avec la technologie et les machines). L’influence de Top Gun est visible dans des films comme Rock, un « manège » pratiquement sans humour qui a oublié d’ajouter le ’n’roll au rock. (Le directeur de Rock, Michael Bay, est comme le beau-fils moche de Tony Scott. Il est le père du Film Chaos.) Top Gun est un artefact, comme pantalons patte d’eph ou la coupe au bol, d’un temps apparemment plus innocent. Cela représente un engouement des divertissements d’été, un moment où la publicité est devenue une partie de la narration. Qui eût cru que ce qui était autrefois considéré comme du marketing grossier serait maintenant considéré comme restreint et démodé ?